Отдых в Японии: Подземный музей

В 2004 году открывается «Подземный музей», в котором представлены работы трёх авторов: Клода Моне, Уолтера Де Мариа, и Джейса Таррелла.

Еще в 1999-м году, на выставке в Бостонском Музее Искусств, Фукутакэ Соитиро встретился с грандиозной по своим размерам картиной Моне «Пруд Лотосов» (2 на 6 метров), которая в мгновение околдовала его. В дальнейшем он смог приобрести эту работу и именно под неё президент корпорации «Бенессе» и решил создать новый музей. Лотос, который является определённым символом во многих религиях, Соитиро решил возвести в стадию своеобразной главы «святой троицы», которая будет выходить из обычных рамок восприятия. Основной идеей музея стала интерпретация работы Клода Моне «пруд лотосов» в стиле острова Наосима, как центра современного искусства. Моне считается художником-импрессионистом 19-го века, хотя в последние годы своей деятельности он становится «современным» художником, и его работы в этот период сильно меняют весь образ Моне. Компанию Моне составили два американских деятеля современного искусства - Джеймс Таррелл и Уолтер Де Мариа. Для того чтобы посетитель мог сполна насладиться и получить удовлетворение от такого малочисленного количества работ, проектировку самого здания музея поручили Андо Тадао. Особенность здания заключается в том, что оно фактически целиком находится под землёй и при взгляде снаружи его совершенно нельзя почувствовать как здание. Даже находясь в нём, вас не покидает чувство что вы находитесь на природе, настолько гармонично оно создано. Для получения сбалансированного чувства гармонии Андо прибегает к очень максималистскому решению - он создаёт здание из бетона, - строгие углы, абстрактное пространство, всё это как бы готовит человека к встрече с работами музея, зато после знакомства с ними посетитель попадает в кафе, откуда неожиданно открывается великолепный вид на внутреннее японское море. Меняется время года - меняется и естественное освещение, меняется погода - резко меняется все пространство музея, и это тоже своего рода «произведение искусства».

Клод Монэ, "Пруд лотосов".

В последние годы своей жизни Моне увлёкся проектом «гранд-декорации». В начале 20-го века он рисует целую серию картин на тему «лотосы», и именно в это время у него рождается идея создать масштабную инсталляцию (гранд-декорацию), которая будет посвящена отдельно взятой вещи. Создавая выставочный зал, в котором сейчас выставляется «пруд лотосов», президент компании Бенессе попытался поставить себя на место Моне, - каким бы великий художник хотел увидеть пространство для своей гранд-декорации.

Особенность «пруда лотосов» заключается в том, что взгляд посетителя не может остановиться на какой-либо определённой части картины. Она плавно проходит перед глазами, словно серия из нескольких меняющихся экранных постановок. Для того, чтобы показать картину максимально красиво необходимо естественное, и ни в коем случае искусственное, освещение. Для того, чтобы глаз посетителя сразу смог заметить изменения в картине, вызванные естественным освещением, всё пространство выставочного зала, кроме самой картины, было сделано белого цвета. Естественному освещению было также уделено особое внимание, - используется не прямой солнечный свет, а световое отражение, исходящее от всего зала. Человек сначала даже не может понять откуда исходит свет.

Это ощущение усиливает и материал, из которого сделаны рамки картин и пол выставочного зала, - мозаика из белого мрамора, каждый кусочек которого размером всего 2 на 2 сантиметра. И таких кусочков здесь 70 тысяч ! Примечательно, что мрамор сорта Биянко Каррара привезён из той же каменоломни, из которой для своих работ брал камни Микеланджело.

Отдельно нужно отметить и стены зала, - белейшая штукатурка, которой пользовались в средние века для внешнего покрытия стен самурайских замков. 30 профессиональных штукатуров в течение дня создали это, по большому счёту, еще одно произведение современного искусства.

«Гранд-декорация», в интерпретации Моне, очень близка по своей задумке к «инсталляции» в современном понимании. Музей Оранжери, открывшийся в Париже в 1927 году, сперва вообще не мог принять гранд-картины Моне, так как просто не понимал как их можно выставлять. И лишь в наше время музей приблизился к изначальной задумке художника и пересмотрел способ освещения картин. Так что можно смело заявить, что лишь сейчас мир искусства наконец-то «догнал» мысль Клода Моне.

Джеймс Таррелл, "Afrum, Pale Blue" (1968), "Open Field" (2000), "Open Sky" (2004).

Джейс Таррелл, американский деятель современного искусства, известен своим невероятным мастерством использовать свет словно имеющую вес и объём физическую субстанцию. Именно свет является главным «материалом» и основной темой его произведений. Моне в свое время тоже часто величали «художником света», и можно совершенно смело утверждать, что Таррелл не только развил линию Моне, но и преподнёс её в современном аспекте. Выставочный зал Таррелла выстроен по хронологии его работ, чтобы посетитель смог наглядно понять каким образом менялось отношение художника к свету, как «материалу».

Сначала посетитель встречается с работой «Afrum, Pale Blue». Казалось бы нет ничего проще, - просто направить луч света определённой формы на стеновой угол. Однако Таррелл делает это так, что свет принимает форму, он кажется объёмным, весомым, и одновременно «невесомым».

Следующая работа вызывает восторг даже у людей, далёких от искусства. Речь идёт об «Open Field», - одной из работ из серии «Окна». Если предыдущая работа даёт посетителю возможность увидеть свет как физическую субстанцию, то «Open Field» приглашает его «войти» в свет и его бесконечность, ощутить его в себе и себя в нём. В завершении вас ждёт знакомство с работой «Open Sky», из серии «Небесное пространство». Вы попадаете в комнату, в потолке которой вырезан правильный квадрат, что позволяет Вам наблюдать за небом. Если в серии «Окна» Таррелл использует искусственный свет, то в «Небесном пространстве» - свет естественный, который очень неожиданно вступает в невероятное сплетение со светом искусственным. Дело в том, что стены комнаты, в зависимости от времени суток, освещаются светодиодами (40 видов подсветки), которые подчёркивают постепенно приближающийся закат. Небо постепенно темнеет, меняя цвет с голубого на тёмно-голубой, фиолетовый, и в завершении в черный цвет, а стены постепенно окрашиваются в яркий жёлтый цвет, - сначала при помощи естественного солнечного излучения, и затем при помощи светодиодов. В результате квадратное окно в потолке постепенно начинает принимать реальные, физические

Уолтер Де Мариа, "Time/Timeless/No Time" (2004).

Еще один американский деятель современного искусства, Уолтер Де Мариа, на первый взгляд не имеет совершенно никакого отношения к Моне. Тем не менее, связь между этими художниками есть. Де Мариа специализируется на создании «вечности» в отдельно взятом пространстве. Эта же тема присутствует и в поздних работах Клода Моне. Моне пытался изобразить, придать очертания, неким временным законам, по которым меняется время и пространство. Подобный подход очень ярко прослеживается и в работах Уолтера Де Мариа.

Наиболее увлекательным в экспонате под названием «Time/Timeless/No Time» является столкновение Де Мариа с архитектором Андо Тадао. Наверно еще ни один скульптор в мире не смог бросить пространству Андо такой смелый и неожиданный вызов. Данное произведение наиболее ярко демонстрирует индивидуальные особенности обоих мастеров. В этом выставочном зале нет ничего органического, живого, - только вещи, созданные по человеческому умыслу, и естественное освещение.

Каждая вещь имеет самые примитивные геометрические формы, - круг, шар, треугольник, прямоугольник, прямые и плавные линии. И не смотря на свою примитивность, в результате получается пространство, которое просто захватывает дух.

В центре зала расположен гигантский шар из гранита. Сам факт, что подобный шар идеально круглой формы (погрешность диаметра составляет меньше 1мм !) можно найти вызывает неподдельное удивление. Обычно скульпторы и другие деятели искусства в процессе воплощения какой-либо идеи в жизнь, идут на определённые уступки. Однако Де Мариа отличается именно тем, что свои идеи он воплощает полностью, в самом настоящем «идеальном» виде.

Размер выставочного зала также был изначально «заказан» скульптором у Андо. Поместить в это пространство гигантский шар и на его основе создать до невероятности жёсткое произведение современного искусства мог лишь человек, который умеет измерять пространство по отличным от обычных людей меркам и критериям.

После пребывания в стенах этого выставочного зала автор рекомендует выйти наружу и посмотреть на природу, - горы, море, песок, траву. Он считает, что после знакомства с его работой человек начнёт воспринимать окружающий его мир совершенно иначе. Именно в этом и заключается суть практически всех работ Де Мариа, - он даёт возможность провести переоценку связей между вещами, созданными руками человека, и природой. Американский скульптор считает, что вещи, созданные человеком, не могут существовать в природе. Его работы подавляют зрителя своей холодной геометричностью, но именно она и позволяет зрителю в дальнейшем почувствовать всё великолепие окружающей нас живой природы.